jueves, 29 de septiembre de 2011

MEA CULPA


Ha pasado un año y es justo expresar lo que hoy siento:

Viendo las cosas con la distancia que da el tiempo, puedo decir hoy que en términos generales me equivoque ¿porque?:

Cuando uno entra en una institución, quienes ponen las reglas de juego son las autoridades de la misma y aunque a uno no le gusten, hay que respetarlas. Es algo parecido como cuando uno va a la casa de otra persona como invitado.

Todos en algún momento de la vida nos equivocamos, por la simple razón, de que desconocemos una parte de la realidad, nos falta información y sacamos nuestras propias conclusiones, y no por ello nos exime de la culpa. Pensamos que actuamos como corresponde, pero sin saber que nos estamos equivocando, ¿en dónde me equivoque?:

La esencia del aprendizaje de este primer año, está basado en la sorpresa y el desconocimiento de lo que se va a tratar. Mi error (uno de ellos), fue promocionar en una página web, lo que se estaba haciendo en clase, con ello le estaba provocando el perder todo el encanto a las próximas generaciones. En resumen, siempre debemos tener una cierta cantidad de duda, en nuestras decisiones y comportamientos, y saber reconocerlo a tiempo, no alcanzan las buenas intenciones.
Este año (2011) volví a anotarme y hice todo lo posible de cumplir con todo lo que se me pedía, es por ello que ahora si fui aceptado como alumno, luego de pasar las pruebas que deben cumplir, los que entramos por el articulo nº 5. Los que ingresamos de esta manera se nos permite hacer el curso y no obtenemos el titulo final ya que no cumplimos con los requerimientos iniciales de inscripción. En mi caso los estudios en la UTU y ORT en electrónica, no revalidaban ya que pertenecen a un plan que hoy no existe.
No estoy arrepentido de todo lo hecho el año pasado, salvo que el afán de poder hacer esta carrera, me lleva a aceptar las reglas que sean necesarias. Pienso que en ese momento se hubieran podido solucionar las cosas de una forma diferente, pero no fue así.
Todos mis actos fueron pensados para brindar lo mejor para el grupo y sin ninguna mala intención. No falte nunca, no hice el dibujo de la cara y logre arrimarme a tres colores. Le plantee la idea a Samuel de traer una obra de teatro, de pasar películas sobre arte o hacer charlas los viernes. En todo estaba poniendo mi mejor voluntad y energía, pero no siempre uno es bien entendido y me toco ser expulsado. Hoy entiendo muchas cosas que en aquel momento no las veía de la misma forma. Les dejo toda esta experiencia porque quizás alguno le pueda servir de algo. chau

viernes, 10 de septiembre de 2010

EL FIN DE UNA ETAPA

" Hay cosas que cuando nos escarban y envenenan por dentro, sin dejarnos dormir ni descansar, lo mejor es sacarlas y echarlas fuera . . . . .  a otros. ¡ Vale mas ser un enajenado que no un ensimismado! (Unamuno)

Hola, hoy es el ultimo día, en la vida de este blog, lamentable mente dejo de pertenecer al grupo de alumnos de la Escuela de Bellas Artes (ENBA), ya que no reuno las condiciones necesarias para continuar en ella. En el día de ayer (jueves), el decano de la facultad Samuel me expreso que quedaba excluido, ya que no reunía las condiciones “excepcionales” que debía tener por haber ingresado al curso por el articulo N° 5.

A pesar de no haber faltado nunca y habiendo entregado práctica mente la mayoría de los trabajos pedidos, la institución entiende que no era necesario que terminara el año de escolaridad.

Respeto la decisión de las autoridades de la escuela, y quiero agradecer les, por todo lo que me brindaron todos estos meses en los cuales participe. Debe de haber sido, una de las experiencias mas gratas de mi vida. Nunca me imagine de encontrar un grupo humano tan excepcional. Fueron momentos inolvidables los que viví.

Pude hallar un excelente ambiente y compañerismo, de un grupo que estaba compuesto por una gran diversidad de chicos de distintas edades y sexo. Nunca había vivido de una forma tan amena, el llegar todas las noches a la escuela y encontrarme siempre con una nueva sorpresa, que nos planteaban como premisa para desarrollar.

Había que hacer un esfuerzo muy importante para plasmar dicho trabajo, con los problemas del poco espacio y compartir entre varios los elementos que nos daban. Pero ello no dejaba de ser algo que me producía un gran placer, ya que se debía desarrollar todo el talento con los elementos que todos disponíamos por igual.

Gran sorpresa tenia, a los pocos días cuando se hacia la devolución de los trabajos realizados, que maravilloso era encontrar obras increíbles efectuadas por mis compañeros.

Sumado a ello, podíamos escuchar los interesantes comentarios que nos daban los profesores. Pero la vida tiene de esos sinsabores: lo bueno dura poco. Uno piensa que pone lo mejor que tiene y da lo máximo, pero siempre existe un guardia o un portero al frente de la puerta que uno quiere traspasar, y hay veces que puedes, otras no, a mi hoy me toco que no. Las instituciones educativas tradicionales no están diseñadas para aceptar e impulsar proyectos centrados en la pedagogía de la comunicación.
Las herramientas que hoy existen, son desconocidas y no son del todo aprovechadas. No hay una buena comunicacion entre la institucion y los alumnos. No siempre los alumnos interpretan el mensaje de los profesores. para sentir interés es necesario saber que se pretende y sentir que con ello se cubre una necesidad, puesto que si no conoce el propósito de una tarea, no lo podrá relacionar con la comprensión de lo que la tarea implica y con sus propias necesidades y muy difícilmente podrá realizar un estudio en profundidad. Habría que ver que pasa con aquellas materias que por si solas no proporcionan o cubren una necesidad pero que en conjunto permiten llegar a cubrir una o varias de las necesidades del alumno. Lo que si que se puede afirmar es que cuando aprendemos, aprendemos en las dos vertientes, por una parte los contenidos y por otra que somos capaces de aprender, pero cuando no aprendemos, lo que hacemos es no asimilar los contenidos, pero si que asimilamos la parte de que no somos capaces de aprender y esto afecta a nuestro autoconcepto, aunque no tiene el porque hacerlo de manera negativa. Esto significa que cuando uno quiere aprender y aprende, esto le produce una visión positivista de si mismo y esto, evidentemente, refuerza su autoestima, lo que le ayuda a afrontar nuevas situaciones de aprendizaje de manera diferente a como se enfrentaría a ellas sin contar con esta visión positivista de uno mismo.
Nuestra lógica, no es la misma que la de nuestro prójimo, yo creí que este blog podía ser una herramienta de unión, de sinergia para todos, los que componíamos la generación 2010 de la ENBA. Estaba confeccionado, sin que nunca nadie. encontrara en el, mi protagonismo. Seria la bitácora que podía acompañar nos durante los seis años del curso, pero para ello, tendría que ser del aporte de todos y no de alguien en particular. Yo di el puntapié inicial, forme algo, para luego dar un paso al costado.

Imágenes, libros, vídeos, todo lo que tenia a mi alcance lo quería compartir, que todos pudieran, a igual que yo, tener las mismas herramientas. Era una forma de devolverles (a profesores y compañeros) todos esos placenteros momentos vividos, en la escuela. Un lugar en donde, seres humanos de distintas generaciones, pudieran comentar y expresar sus vivencias, momentos que nunca mas podremos volver a vivir y repetir.

Profesores, alumnos que tienen fines similares y que comparten gustos en común, como es el arte y la estética.

Si a alguien moleste o creé problemas con la creación de este blog, le pido disculpas y nunca fue mi intención dañar a alguien o perjudicar la gestión de una persona o institución. Soy el único responsable de la creación del mismo y antes de abrirlo lo puse a consideración de las autoridades de la Universidad.

Espero que, quien o quienes tuvieron la responsabilidad de cerrarme esta puerta, hayan tenido la idoneidad suficiente y justicia, para haber podido decidir lo mejor para todos. Quizas el que mejor comprenda mi situacion sea el mismo Samuel, recordando la epoca, en donde tuvo que vivir con el autoritarismo de la dictadura. La impotencia de tener que aceptar lo injustificable, porque el espiritu del articulo 5, lo que quiere es no cerrar puertas, sino que quien quiera hacer una experiencia con el arte, lo pueda hacer, siempre que cumpla con los requesitos basicos, y ser un "excepcional", de eso se encargara la escuela.
Si expreso en mi discurso, "que no puedo juzgar una obra", ¿como puedo juzgar que alguien sea "excepcional"?.
Digo que lo mas importante es la asistencia y cumplir con el 85% de los trabajos que se manden en el trancurso del año, pero al llegar a las 3/4 partes, por no presentar un trabajo (dibujo del rostro) y tener 2 colores aproximados y 5 mal, ¿le digo que no es "excepcional"?. No entiendo, quizas no este en mi sano juicio y no pueda comprender algo. Me llega a la mente la gran cantidad de veces que tuve ir a la escuela luego del trabajo y otra cantidad de veces que he llegado a media noche a mi casa, todo un esfuezo que no es grato aceptar, mas cuando uno deja tanto de lado.
Gracias, a todos, un gracias con un gusto amargo, pero sin rencor, me voy con el sentimiento de la perdida o desaparición de un ser querido, espero encontrarlos en otro momento, cuando el destino quiera que nuestros caminos se crucen nuevamente.
La razón no es suficiente para obtener verdades, pero tampoco la imaginacion (y no me estoy refiriendo a la creativa) es capaz de brindarnos certezas, porque la validez de sus intuiciones no puede ser corroborada.
Por esto y por todo lo que me han hecho sentir, quiero que sepan aprovechar, este gran momento que estan viviendo en la Escuela de Bellas Artes en este año 2010. Que mis palabras sepan hacerles llegar un sentimiento y no un resentimiento, fruto de la pasion. chau

"Sin duda el sentido de las palabras se extiende con la conquista que va realizando el espiritu que se sirve de ellas,que en ellas y con ellas y por ellas piensa. Porque se piensa en palabras, con palabras y por palabras. Y la retórica suele ser la pasión de las palabras. Y solo la pasión crea" (Unamuno)

Aldo Montoro
C.I. 1.200.069 -6

VOLUMEN Y ESPACIO

Una plaza es como un mundo, un mundo que esta compuesto por un conjunto de espacios, espacios que están rellenos por volúmenes de distintas dimensiones.

Un volumen, por ejemplo, una escultura, nos da la sensación de estar alojada en un espacio de gran tamaño, nos hacemos a la idea que cuanto mas grande es ese volumen, tanto mayor es el espacio en donde se aloja. El volumen es un espacio ocupado, pero lo que perciben los ojos es un envolvimiento de dicho espacio, es decir, la forma, y a través de esta superficie- forma produce la sensación de espacio ocupado (el volumen).
En la forma se dan cita elementos como el color y la textura, que son los ingredientes materiales de la superficie.
Por lo común, las piezas escultóricas son creadas para ocupar un sitio determinado. Con frecuencia, andando con el tiempo, son trasladadas a otro sitio, y muchas terminan en los museos. Por tanto, para valorarlas debidamente hay que tener en cuenta el emplazamiento que sus autores les destinaban. Hay que considerar en primer lugar la distancia física entre la escultura y el espectador, sobre todo cuando el acercamiento a la obra no puede rebasar ciertos límites.
En estos casos es evidente que la figura tiene que reunir ciertas condiciones en relación con esa distancia. En conclusión, teniendo en cuenta dicho principio, una obra o escultura, o objeto emplazado en un espacio, tiene connotaciones que van mas allá de las propias, tamaño, dirección, etc. terminan dando una caracteristica muy importante. Esto lo traigo a colación, porque en el espacio (plaza) que a continuación analizaremos, existen piezas escultóricas que hacen al tema.
Una escultura concebida para ser contemplada desde lejos debe ser de tamaño superior al natural y, además, sus detalles deben perder minuciosidad.
Todo espacio urbanístico está caracterizado por los mismos elementos que distinguen el espacio arquitectónico” ( “Saber ver la Arquitecutra” de Bruno Zevi ).
En el análisis que haremos a continuación, intentaremos graficar todos estos elementos, que hacen a su mejor interpretación, con imágenes y descripciones de los mismos.


Es un espacio que esta limitado por dos grandes muro y lo separan de dos casas, un colegio y una empresa que contrata el local para hacer fiestas

Los muros como espacio volumétrico sirven de soporte para dar al transeúnte una gran variedad de información: graffitis de todos los tipos, ya sean políticos, deportivos, musicales, reclamos sociales, sexuales, históricos, etc. En las diferentes texturas uno puede ver en ellos como ha ido transcurriendo el tiempo. Como podemos ver en las siguientes imágenes el muro que divide a la plaza con el colegio, hace las veces de una galería histórica, contándonos episodios del pasado, quizás haya tenido alguna relación, de este trabajo con la institución educativa que existe del otro lado del muro, de todas formas, de los contenidos que ello albergue, le da al volumen (pared) un realce de color.


MURO QUE DIVIDE LA PLAZA CON EL COLEGIO “EL CARMEN”
 
Diseñado el espacio, en este caso una plaza, debemos saber, que los volúmenes existentes en dichos espacios también pasan a tener un gran protagonismo, así como también el color, ¿El color a quien le pertenece? a la superficie o al espacio El color es una delgada sustancia que les pertenece tanto al espacio como a la superficie que define dicho espacio. Ahora el espacio es el vacio entre volumenes y los volumenes son los limites del espacio.

Son elementos inseparables, indefinibles el uno sin el otro por tanto debemos tener cuidado de darles a ambos la importancia que se merecen dependiendo de la propuesta.



Cada superficie, en función de su tamaño o textura, va creando distintas formas de contener el tipo de mensaje. Los muros mas rústicos contiene una gran variedad de mensajes y denota haber sido hecho por varias personas diferentes. Otro aspecto es que el muro según su ubicación tiene una preferencia mayor para quien quiere llegar al resto de las personas con su mensaje. Esta el gra Fitero que no esta tan preocupado en el mensaje, pero si en su estética (forma y color). Esta el graf itero mas profesional, el cual se ha preocupado de preparar la superficie y dejar un trabajo de aparente mejor presentación. Este tipo de trabajo tiene la condición, de ser mas respetado por otros, que quieren también transmitir algo.


Pero todos ellos tienen un elemento en común: nada se debe interponer delante de la obra. O sea que un volumen (por ejemplo unos árboles, ver foto superior) que ocupa un espacio cercano, están creando los inconvenientes a la hora de ser utilizado como soporte artístico o base para poder transmitir un mensaje.

Ya lo dice Marshal Mc.Luhan : “el medio es el mensaje”, el ser humano se retroalimenta de su entorno y devuelve de alguna forma, todas las experiencias vividas. El hombre es lo que ve, formamos nuestras herramientas y luego ellas nos transforman. De acuerdo al medio que utilizamos o que vemos, vamos forjando nuestra personalidad. Nuestras personalidades y status social nos condiciona a la hora de seleccionar el tipo de medio, para querer expresar nuestras ideas.

La plaza también cumple una función de espacio de recreo o descanso, brinda la seguridad como lugar publico de poder estar en ella y poder estar protegido. Es un espacio en común, en donde todo es de todos. Es un lugar para compartir, un lugar de encuentro.

 
Todo es posible a la hora de tomar el sol y aprovechar del aire libre, que brinda un espacio exterior. Es un espacio, en donde comparten distintos volúmenes, un lugar en común. Volúmenes fijos, volúmenes que van y vienen, dejando una estela de recuerdos y vivencias que permanecerán en el tiempo, en sus mentes.


Horas de recreo, de diversión, de eternas charlas de mundos por arreglar o injusticias vividas. Todos miramos y somos mirados, y por lo tanto juzgamos y somos juzgados

Nos llama la atención lo que hace “el otro”, por lo general no llegamos a entender completamente su mundo. Hasta muchas veces deseamos ocupar su espacio, o también todo lo contrario. La plaza es ese espacio vital y humanizante donde la sociedad se reune para compartir sus opiniones, evaluar propuestas y elegir la mejor decisión, de esa forma se vislumbraba así un espacio público político, en donde se juntan las pasiones y los deseos mas variados.

“EFECTOS DE LA VENTANAS ROTAS”

 
 
 
Es una teoría sobre el contagio de las conductas inmorales o incívicas. Tiene su origen en un experimento que llevó a cabo un psicólogo de la Universidad de Stanford, Philip Zimbardo, en 1969. Si ves una casa o un barrio con las ventanas rotas, la sensación de dejadez y descuido te invita a que tú también rompas una ventana o hagas otro acto de vandalismo. En cambio, si está todo un poco cuidado, desincentivas esa actitud.(ver http://kairosdos.blogspot.com/p/historias.html )


Como podemos ver en las imágenes de arriba, en algún momento algunos de los azulejos se desprendieron y eso llevo a su posterior destrucción.
"Consideren un edificio con una ventana rota. Si la ventana no se repara, los vándalos tenderán a romper unas cuantas ventanas más. Finalmente, quizás hasta irrumpan en el edificio, y si está abandonado, es posible que sea ocupado por ellos o que prendan fuegos adentro.


O consideren una acera o banqueta. Se acumula algo de basura. Pronto, más basura se va acumulando. Eventualmente, la gente comienza a dejar bolsas de basura de restaurantes de comida rápida o a asaltar coches."

miércoles, 11 de agosto de 2010

VATEL (El arte en la cocina)

La gastronomía, igual que el arte, es resultado de la imaginación


El apetito más que un fenómeno biológico es imaginación, es un estimulo físico que nos hace soñar con algo deseable.

Cada cual encuentra satisfacciones en diferentes cosas; los hay quienes se deleitan con música, otros buscan el arte en los museos, los hay quienes encuentran el placer en la lectura, muchos gustan de saborear un manjar delicioso, aunque no sean golosos. En pocas palabras, podríamos decir que los humanos tenemos apetitos que siempre buscamos como satisfacerlos.

Nuestros sentidos, el olfato, el oído, la vista, el tacto y el gusto, desarrollados diferente en cada persona, nos llevan a poder satisfacer esos apetitos.

El ser humano maneja 5 tipos de memoria (la auditiva, visual, olfativa, gustativa y táctil). Buscando en la web encontré una muy buena definición de lo que es la memoria: Es la capacidad de conservar y evocar mentalmente, hechos pasados, reconociéndolos como pertenecientes a nuestra experiencia anterior y localizándolo en el tiempo

Para Maarten Baas, actualmente existe una gran relación entre la cocina y el arte y, de hecho, considera que si ahora alguien le preguntara a qué le gustaría dedicarse si empezara de nuevo diría sin pensárselo: "cocinero". "Si eres un cocinero eres un artista y puedes hacer algo rompedor o bello, mientras que con el arte siempre se pierde algo", ha indicado el artista para quien "la comida se puede racionalizar y probar y saber si te gusta o no, algo que con el arte es mucho más complicado".

Fritz Karl Watel había nacido en 1631 en París aunque pronto escondió sus orígenes suizos y afrancesó su nombre con el conocido hoy de François Vatel. Era hijo de una familia humilde, pero en 1646, con quince años, decidió no seguir los pasos de su padre, techador, y optó por trabajar como aprendiz en la casa del padrino de su hermano, el repostero Jehan Heverard, donde estuvo siete años.

En 1653, a la edad de 22 años, fue contratado como pinche de cocina en el Palacio de Vaux-le-Vicomte (entonces en fase de construcción) por el marqués Nicolas Fouquet, que sería nombrado ese mismo año Superintendente de Finanzas por el cardenal Mazarino, regente del rey Luis XIV, todavía menor de edad. Por sus habilidades, Vatel fue rápidamente nombrado maestro de ceremonias de Fouquet.

El 17 de agosto de 1661, Fouquet invitó al rey Luis XIV y a toda la corte para celebrar la inauguración de Vaux-le-Vicomte. Vatel, como maestro de ceremonias del marqués, organizó una grandiosa y suntuosa fiesta, seguida de un cena de ochenta platos, treinta mesas de buffet y cinco servicios de faisanes, codornices y perdices, todo servido en una vajilla de oro macizo para la familia real junto a otra de plata para el resto de la corte. Unos 80 violines interpretaron obras del compositor favorito del rey, Jean-Baptiste Lully, entra ellas "Les Fâcheux”, una comedia-ballet compuesta por Lully y Molière para la ocasión.

Las diferencias con el rey acabaran con el arresto de Fouquet por el teniente mosquetero D'Artagnan, acusado de de malversación de fondos por su celoso rival Colbert, que ocupará su cargo. Temeroso, Vatel se exilia a Inglaterra y allí conoce a Gourville, un amigo de Fouquet con el que se reencuentra en Flandes. En Flandes Gourville convence al príncipe Luis II de Borbón-Condé para que contrate a Vatel para su palacio de Chantilly.

Tras muchos años de espera, el príncipe de Condé, que había caído en desgracia tras su participación en una rebelión nobiliario contra Luis XIV, invitó al Rey y a toda su corte versallesca en su renovado palacio.

Para llevar a cabo tal empresa, Vatel (Gérard Depardieu) se pone al mando de todo un ejército de sirvientes, hombres y mujeres de todas las edades que trabajan sin descanso para sorprender y satisfacer a su rey. Vatel concibe las fiestas por temas, con menús muy elaborados y puestas en escena grandiosas que encantan al rey

En el mismo banquete el consumado perfeccionista Vatel, que estaba enloquecido por la tardanza del pescado -el banquete debía hacerse en un viernes- y sumado a otras desgracias, se suicidó atravesándose una espada. De acuerdo con algunas versiones de la historia, su cuerpo fue encontrado por un ayudante que fue a avisarle que el pescado había llegado.

Es probable que él no hubiese inventado la crema batida para esta ocasión, y que la creme Chantilly fuese conocida tiempo atrás del banquete. El drama y la subsecuente descripción de la comida por parte de los comensales, ayudó a popularizar la crema para el uso en postres.

Vatel ejerció entre 1650, cuando François de La Varenne publica su El cocinero francés, considerado el inicio de la alta cocina francesa, y 1670, y en esos veinte años sentó las bases de un protócolo gastronómico que fuese a la altura de tan refinado arte culinario.

No sólo elegía los menús, organizaba el avituallamiento y vigilaba la elaboración de los platos; también decidía la disposición y la decoración de las mesas y de los salones, orquestaba las tareas del personal de servicio y escogía los divertimientos para los comensales. Vatel fue ante todo un maestro de ceremonia innovador en el arte de agasajar.

TU APORTE AL ; 2010enba@gmail.com

viernes, 6 de agosto de 2010

PASION DE CAMILLE CLAUDEL

Escultora francesa, colaboradora de Auguste Rodin. Nació en Villeneuve-sur-Fère y en 1881 se trasladó con su familia a Montparnasse en París, donde asistió a la academia Colarossi. En 1884 fue discípula de Rodin, del que pronto habría de convertirse en colaboradora y amante. Su obra de esa época está interrelacionada con la de Rodin, concentrándose en los retratos y grupos de desnudos en poses contorsionadas de temática alegórica y una ejecución de gran lirismo y sensibilidad. Expuso con regularidad y en 1895 recibió un importante encargo oficial. La relación entre Claudel y Rodin comenzó a deteriorarse en 1892, aunque continuaron en contacto hasta 1898. A partir de ese año Claudel se negó a seguir exponiendo su obra con Rodin e intentó alejarse de su estilo escultórico. Aunque continuó exponiendo en importantes salones y galerías, Claudel comenzó a sufrir penurias económicas y a aislarse cada vez más. Creía que Rodin había sido injusto con ella y empezó a imaginar que él y sus asociados la perseguían. En 1913 fue internada en el primero de una serie de hospitales psiquiátricos, en los que permanecería a intervalos hasta su muerte. Las cartas a su hermano, el escritor y diplomático Paul Claudel, constituyen un testamento conmovedor de sus frustraciones, desilusiones y creciente desesperación. Su obra permaneció en una relativa oscuridad hasta que en las décadas de 1970 y 1980 resurgió el interés hacia ella, gracias a una retrospectiva de su escultura que recorrió varios países y a la película Camille Claudel de Bruno Nuytten (1988), que contaba la historia de su vida.
"Las edades de la vida de Camille Claudel"

Pasó los 30 últimos años de su vida en el manicomio de Montdevergues. Allí murió sola. Abandonada por todo el mundo, incluida su familia. Camille Claudel (1864-1943) cargaba a sus espaldas 79 años de una vida tan dramática como fascinante. Y aún tendría que transcurrir mucho tiempo para que se reconociera su talento como escultora. Sobre todo, para que su personalidad artística volara por encima de su relación con Auguste Rodin. Su maestro. Su amante. Un genio déspota y ventajista, de la que Claudel fue víctima. Como lo fue de su familia ingrata y de la sociedad misógina y envidiosa de la época.
Una exposición en la Fundación Mapfre de Madrid, con cerca de un centenar de obras, una de las mayores organizadas hasta la fecha sobre la artista, arroja luz acerca de la obra y la tortuosa personalidad de Claudel. De un paseo por sus salas se extraen muchas conclusiones sobre su obra y sobre su persona. En el imaginario colectivo, ella conserva las trazas sensuales de la actriz francesa Isabelle Adjani, quien la resucitó para el cine en La pasión de Clamille Claudel (1988), de Bruno Nuytten, con Gerard Depardieu como Rodin. Las fotografías descubren una mujer de deslumbrantes ojos verdes con aura dorada y una infinita tristeza.

Hija de una familia pequeñoburguesa, desde muy joven mostró gran facilidad para crear formas con sus manos. Trabajar y moldear todo tipo de materiales. Pero el talento natural no fue suficiente y buscó la maestría de la técnica en un taller.
Pese a que la familia se opuso al sueño de la hija de convertirse en artista, su hermano menor, Paul, escritor y único amigo, consiguió que sus padres autorizasen la entrada de su hermana en un taller. Y que fuera nada menos que en el de Auguste Rodin.
En aquella época, Camille Claudel rondaba los 20 años y se encontraba en la plenitud de su belleza y de la fuerza creativa. Rodin y su alumna se hicieron amantes inmediatamente. Y los tormentos amorosos no tardaron en llegar. No es sólo que él fuese un hombre casado y promiscuo, sino que incluso tenía una "amante estable", Rose Beuret, que se convertiría en gran enemiga y pesadilla recurrente en la vida de Camille. La relación duró casi diez años. Y los ataques de celos y peleas fueron públicos y constantes.
Ella aprendió rápidamente y Rodin le permitió participar en muchas de sus grandes esculturas. Aunque, temeroso de su personalidad y talento arrasadores, intentaba rebajar su protagonismo en el estudio. Camille dejó escrita en su correspondencia de la época que él se aprovechaba de ella, que las obras que presentaba como propias eran producto de su talento menospreciado.
También hubo lugar para otros reproches. Por ejemplo, las vejaciones y humillaciones a las que le sometió Rodin, que solía exhibirse con otras mujeres delante de ella. Entre esta correspondencia hay una carta de Rodin, incluida en la exposición, en la que él deja por escrito la promesa, mil veces rota, de que ella sería la única mujer en su vida.
Obsesionada por el amor, Camille fue convencida por Rodin de abortar cuando quedó embarazada. De nuevo, le prometió que iba a abandonar a Rose Beuret. Todo fue mentira de nuevo y Camille, profundamente humillada, abandonó a Rodin. La artista, entonces, se encerró en su propio estudio y esculpió incansable cabezas de niños. La mayor parte de éstas fueron destrozadas inmediatamente. Los vecinos de su taller la oían aullar todo el día. Camille perdió su bellleza y su única relación fueron las decenas de gatos que vagabundeaban por el estudio.
Una tarde, tres enfermeros echaron la puerta abajo y le colocaron una camisa de fuerza. Por orden de su familia, fue ingresada en un sanatorio psiquiátrico próximo a París. Nunca más volvió a esculpir nada. Se le diagnosticó "una sistemática manía persecutoria acompañada de delirios de grandeza". Al final de su vida recuperó la cordura. Nadie la reclamó.
Fuente: El Pais. com

TRABAJO LIBRE ESCULTURA II

Ejemplo de dos trabajos en clase


INFORMACION GENERAL DE LA CARRERA

NOMBRE DE LA CARRERA :
LICENCIATURA EN ARTES
SERVICIO QUE LA BRINDA :
INSTITUTO ESCUELA NACIONAL DE BELLAS ARTES
PLAN DE ESTUDIOS VIGENTE :
2002
FECHA DE APROBACIÓN DEL CDC :
Resolución No. 10 de fecha 25/05/02.
TITULO OTORGADO :
LICENCIADO EN ARTES – OPCIÓN DISEÑO GRÁFICO
REQUISITOS DE INGRESO :
* Bachillerato Diversificado
* Enseñanza Secundaria
* Bachillerato Técnico
* UTU (*  ver opcion articulo 5, articulo aparte )
DIRECCIÓN :
José Martí 3314 / C.P.: 11.300 / Tel.: (598 2) 7087606 / 7080764 - Fax: (598 2) 7073218
Guayabo 1773 – C.P.: 11.200 - Tel.: 4036440
http://www.enba.edu.uy
DURACIÓN :
6 años

El plan de esta Licenciatura, de 330 créditos, se desarrollará en dos períodos propios de la enseñanza de las Artes a nivel superior. Un Primer Período de formación e información estético-expresivo y de ubicación histórico-cultural del alumno (165 créditos); y un Segundo Período de Estudios de definición y especialización estético-plástica, que se dividirá a su vez en dos Ciclos:

a) Primer Ciclo, de ubicación estética (165 créditos), finalizado el cual se obtendrá el egreso de la Licenciatura en Artes (Artes Plásticas y Visuales),

b) Segundo Ciclo, con carácter de posgrado, de definición técnica de lenguajes y áreas de especialización.

PROGRAMA DE PRIMER AÑO

PRIMER PERÍODO - PRIMER AÑO


Este Primer Año se constituirá de un curso teórico-práctico: “Taller de los fenómenos de la percepción y lenguajes”.
La materia referida se desarrollará de acuerdo a las características de formación empírica y analítica propia de la enseñanza activa, mediante:
a) Su enfrentamiento directo con los medios expresivos, sin prescripciones estéticas, y


b) La experimentación y deducción de los factores que posibilitan los lenguajes de las artes.

El curso del Taller de los fenómenos de la percepción y lenguajes seguirá las siguientes Orientaciones Generales:

a) El fundamento del mismo lo constituirán las experiencias de percepción agrupadas metodológicamente por centros de interés.
b) La investigación experimental sobre la fenomenología de la percepción, comprenderá el comportamiento integrado y aislado de las distintas facultades sensibles (visual, táctil, kinestésica y cinestésica, auditiva, gustativa y olfativa), sus memorias parciales e integradas, sus niveles de registro fisiológico, así como su capacidad coordinada de estímulos.
c) La investigación experimental sobre los grandes centros de interés, base de los lenguajes expresivos, individualizados en:

* color (contraste y estructura de cambios)

* forma y dibujo (contenidos de naturaleza universal)

* materia (estructura, constitución y alcance expresivo)

* volumen

* luz blanca

* espacio hueco

* sonido

* tiempo y movimiento

Los factores artificialmente aislados, en su investigación inicial, se agruparán luego como variables recíprocas, en abarcativas series experimentales de expresión. Se definen a continuación, a vía de ejemplo, algunos cruces experimentales de distintas variables:

dibujo y materia: con cruces experimentales en:

- Investigación de bordes y límites de diversas materias de reserva y matriz (papel cortado, arrancado, rascado. Bordes xilográficos, cortados, quemados, machacados).

dibujo, materia y color: con cruces experimentales:

- Diseño de estructura para traducción experimental en:

-forja, fundición y soldadura, cuya ejecución produce redefinición conceptual del dibujo y los lenguajes.

dibujo, materia, color, volumen, tiempo y movimiento con cruces experimentales en:

- Diseño y ejecución de una cobertura de tela para el volumen dinámico del estudiante con participación en forma y color de: batik, serigrafía, collage de materia, matriz de hueco relieve.

Redefinición de la imagen en la función, estructura del volumen, estructura del movimiento, determinantes especiales. forma y dibujo en el tiempo y el movimiento: con cruces experimentales en:

- círculo de 24 imágenes donde el kinetoscopio, de diseño y ejecución experimental estudiantil, es de regulación manual.

- diseño y ejecución experimental en celuloide dibujado y teñido para cámara de proyección en tiempos de regulación manual. espacio, color, materia, luz, escala y volumen: con cruces experimentales en:

- diseño y ejecución experimental del espacio interno de un cubo de visión interior unifocal, para la transformación de la escala sensible y abstracta del espacio.
Los factores y el cruce de sus recíprocas variables agruparán las máximas opciones físicas experimentales del estudiante en la gran y pequeña escala, sirviendo a los centros de interés responsables de definir la magnitud expresiva de los lenguajes, que a vía de ejemplo se señalaron.
El cierre del curso investigará los correlativos entre los lenguajes, las ideas y su proyección estética.
La experiencia deberá producirse preferentemente a escala personal, recurriéndose en la circunstancia metodológica que el curso lo exija a investigaciones grupales y/o colectivas.
La sucesión de experiencias y el proceso del pensamiento estudiantil de origen en ellas, se ejercerán, evitando toda definición prejuicial de cualquier índole, en especial aquellas que surjan de estereotipos culturales incorporados a la formación estudiantil como compuestos intelectuales rígidos, sin articulación interna y ajenos a la experiencia vital del estudiante.

La relación docente-alumno deberá producirse en un contacto de natural relación laboral y libremente.

miércoles, 4 de agosto de 2010

¿Que es lo correcto en el arte?

“¿Puede una obra de arte cambiar nuestra mirada?
¿Podría una obra afectar lisa y llanamente nuestra mirada?”

GERARD WAJCMAN
* Film: La sonrisa de Mona Lisa

Maestra: " ¿Es esta, una linda obra ? "
Alumnos : (silencio prolongado)
Maestra: " Vamos chicas, no hay respuestas equivocadas, tampoco hay libro diciendoles que pensar"
                "No es facil ¿verdad? . . . .
Alumnos ; (varias opiniones)
Alumna : " hay normas, tecnica, composicion, color, incluso tema.
Si insinua que un costado de vaca es arte, ....ya no digamos que sea una linda obra, ¿que vamos a aprender?
Maestra : Exactamente eso. Gracias por fijar el nuevo plan de estudios, Betty.
¿Que es arte ? ¿Que lo hace ser bueno o malo?, ¿ y quien decide?
Maestra : Por favor la siguiente toma. . . . .


Maestra : " Hace 25 años esto le parecia brillante a alguien "
Alumna : (sonriendo) Entiendo ¿ a quien ?
Maestra : A mi madre, lo pinte para su cumpleaños ( sonrisas del grupo)
Maestra : la siguiente por favor . . . . .

Maestra : " Esta es mi mamá, ¿ es arte ? "
Alumna : Es una fotografia
Maestra : Si les dijera que Ansel Adams (*1) la tomó ¿seria diferente ?
Alumna : "Arte no es arte, hasta que alguine lo dice"
Maestra : " ES ARTE "

*(1) .- Famoso fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco,
desarrollador del sistema de zonas (*). Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes.-

* Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio. Es uno de los problemas de quienes al sacar una foto con esta ultima generacion de camaras digitales, no le salen bien.

MOMENTO CRITICO

“No soy partidario de ninguna escuela, porque soy partidario de la verdad humana, que excluye todo grupo y todo sistema. La palabra “arte” no me gusta; contiene no sé que ideas de disposiciones necesarias, de ideal absoluto. Hacer arte. ¿No es acaso hacer algo que está fuera del hombre y de la naturaleza? Lo que yo quiero es que se haga vida; quiero que el artista sea algo vivo, que cree de nuevo, fuera de todas las escuelas, según sus propios ojos y su propio temperamento. Lo que busco ante todo en un cuadro es un hombre y no un cuadro” ÉMILE ZOLA


Echemos una mirada por diferentes momentos del film
y veamos.

Una alumna corre presurosa entre sus compañeras, es que ella es la encargada de inaugurar el año académico y de llevar a cabo el ritual establecido para ello: golpear la puerta...del saber. Tracemos desde ahora un interrogante ¿podrán estas jóvenes forjarse otras llaves, sus propias llaves y elegir finalmente qué puerta abrir? Nuevamente la invitación: observemos.
Sin duda ellas se hallan inmersas y han aprendido a moverse con astucia en el seno del discurso universitario que hace a la tradición de Wellesley. Discurso que las ha tomado como objetos de su prédica, al punto tal que hasta la queja, que respecto de esa posición se deriva, está previamente estipulada ya sea vía publicación en la editorial del “College News” a cargo de Betty Warren o en manos del comité de… mujeres.
Sí, éstas jóvenes efectivamente saben mirar bien. Les han echado el ojo a sus futuros maridos, los jóvenes promisorios de Harvard. Han mirado todo el libro de texto, incluso lo han memorizado y pueden repetirlo sin error al observar las transparencias en el aula. Pero acaso ¿algo de ello las ha tocado? He allí que se recorta la labor de esta profesora que, en el otoño de post-guerra de 1953, ha decidido enfrentarse con las mejores y más brillantes estudiantes del país y con sus redes prestas para cazar maridos.
El acto de Katherine interpela su mirada, primero con su soltería, ya en el aula las escandaliza con una obra de Soutine de 1925: “Cadáver”. Ese es su estilo. No hay libro de texto donde hallar la respuesta correcta. No hay programa prefijado diciéndoles qué pensar, surgen a consecuencia de ello, de nuestras jóvenes atónitas preguntas: “¿qué vamos a aprender?, ¿qué es el arte?, ¿quién decide?”. El nuevo programa ha sido trazado.
Una fina línea puede seguirse dentro de esa trama para el que ya sabe ver. El escenario, ahora es el adecuado para transmitir más allá del libro de arte y las transparencias. Frente a ellas una inmensa superficie cubierta de pintura: all-over . Un imponente espacio democrático, donde todos los elementos son importantes –no solo la ausente Betty Warren-, invade la sala. Una obra que expresa la individualidad y la subjetividad sin limitaciones, sin corsé y donde se observa la libertad para crear por fuera de toda escuela . Una obra-del-arte  las atraviesa, un pintor contemporáneo entra en escena: Jackson Pollock. Y allí sólo se trata de ver. Esa es la lección del día, luego pueden irse. Vida y arte se entrecruzan, acción y acto también y entre ellos la transmisión de una mirada.
Pasarán de la enseñanza-instrucción a la transmisión en acto . Allí no hay palabras, no hay ensayos, lo que se produce es una mirada, un hacer ver. La obra-del-arte en sí misma es un acto, da a ver más allá de sí misma .
Un nuevo lugar para las clases. Un nuevo artista: Van Gogh. Una obra: “Los girasoles”. Un método y un duelo. Betty y Katherine se disputan el lugar del que imparte la enseñanza: “ajustarse a lo que los demás esperan de ustedes o ser… ustedes mismas”. Una frase que las une y las separa. Si el profesor, aquél que imparte las enseñanzas, hace de ellas un collage en donde la falta no quede velada , en dónde el error no quede oculto, Katherine ha ganado la pulseada. Y es que ha dejado ver el corsé que cada uno elige usar.
Van Gogh ha intentado ajustarse el de las acuarelas por un tiempo pero, finalmente, se ha librado de él. Y es en ese instante, cuando aprende a ver, que se revela el estilo y surge el maestro. Y su obra, su causa es lo que puede transmitirnos.
Aún es posible una enseñanza más. Ahora se entrelazan la reproducción en masa de un estilo y el seguimiento a ciegas de “los papeles que les corresponden”. Ahora todos pueden ser… ¡Van Gogh! Siguiendo instrucciones establecidas, por arte de magia aparecerá un pintor. Como si el acto y el estilo pudieran venderse en caja, pudieran producirse siguiendo los números del Palette Kraft Oil painting kit. Un Van Gogh en caja, presto para su uso, una esposa a la espera del egreso.
Entonces, no sólo se trata de transmitir que el acto no puede enseñarse sino que cada uno es responsable de su saber-hacer (savoir-faire). “¿Qué es el saber-hacer? Digamos que es el arte, el artificio, lo que da al arte del que uno es capaz un valor notable, ¿notable en qué, puesto que no hay Otro del Otro para operar el juicio último?”. Sí, efectivamente ese es el punto: el acto es sin el Otro. Y Joan, aquella que en el inicio golpeaba la puerta del saber, es quien revela en su decisión un más allá de la instrucción de Wellesley. Y es que allí ha habido transmisión. “Si la obra-del-arte es hacer ver, el arte es el «inventor» de nuestro visible”.
 Si el “saber-hacer-ahí-con” (savoir y faire avec)  implica saber-ver, se recorta allí una mirada.
Entonces a la pregunta de estas jóvenes: ¿cómo nos recordará? Cada una situará la huella de la transmisión, cada una responderá, una por una, con su mirada, con sus girasoles.
Nota: Articulo de Domínguez, María Elena
Nota: Si quieres ver dicho film, comunicate a nuestro mail.-

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MICMACS

Micmacs, un gran follón

Interpretes: Andre Dussollier, Dany Boon, Dominique Pinon, Jean-pierre Marielle, AndrÉ Dussollier, Nicolas MariÉ, Julie Ferrier
Género: Comedia
NOTA : APORTES, SUGERENCIAS, COMENTARIOS AL CORREO

martes, 3 de agosto de 2010

TRABAJO LIBRE ESCULTURA

NOTA : APORTES Y SUGERENCIAS EN COMENTARIOS O AL CORREO

CLARO Y OSCURO DE LA VIDA

NOTA : APORTES Y SUGERENCIAS A COMENTARIOS O AL CORREO

LUCES Y SOMBRAS II



Rudolf Arnheim: “Arte y Percepción Visual”
Psicología de la Visión Creadora
1957 - Eudeba Edic. 1962
http://www.4shared.com/document/yARRcXwl/La_luz.html
Psicología de la Visión Creadora - 1957 - Eudeba Edic. 1962
Algunas partes del articulo:
 * " La presencia del sombreado señala que la estructura se ha dividido en un fondo de claridad y de color uniformes y una película de densidad graduada que se aplica sobre él."

* "Una vez más nos enfrentamos aquí con el problema que se origina a causa de que el ojo no puede distinguir directamente entre luz reflejada e intensidad de iluminación. Roger de Piles, escritor francés del siglo XVII, afirma al exponer lo que él entiende por claro-oscuro: "Claro implica no sólo algo que está expuesto directamente a la luz, sino también todos los colores que sean de nauraleza luminosa; y oscuro, no sólo todas las sombras directamente producidas, por incidencias y privación de la luz, sino asimismo por todos los colores pardos que, aun cuando se expongan a la luz, mantienen una cierta oscuridad y son capaces de agruparse con los tonos bajos de otros objetos." El pintor y el escenógrafo pueden crear un efecto de iluminación con el pincel, del mismo modo que crean profundidad mediante líneas convergentes. Por otra parte, la iluminación puede producir claridad de objeto, así como la profundidad hace que las vías férreas converjan."

El cine ha privilegiado los violentos claroscuros. Fotograma de la película "The Black Cat" (1939), dirigida por Edgar G. Ulmer. Estudios Universal.
NOTA : APORTES Y SUGERENCIAS A COMENTARIOS O AL CORREO

UNA LECTURA PARA TENER EN CUENTA :

Trabajo TELA

CENTRO
ESQUINALATERAL

lunes, 2 de agosto de 2010

LUCES Y SOMBRAS


BAJOS RELIEVES

IGUALANDO COLOR

Teoría y Práctica del Color (José Mª Parramón)

Mezclar-Colores-Parramon




* Pintar un rectangulo de 2 x 1 cm. "PARALELO" al borde del color impreso.
* No superponer la muestra al color impreso ni dejar blanco entre ambos.
*Pintar la muestra de manera homogénea para que el color a corregir sea uniforme.
* realizar las pruebas de color en uan hoja aparte y pintar en la planilla cuando creamos que la muestra es igual o bastante próxima al color impreso (preferentemente una sola muestra),
*Señalar la muestra a corregir con una flecha cuya ubicacion no desaproveche espacios para muestras futuras.
*No hacer bordes con marcador o lápiz que resulten visibles después de pintar la muestra ( se puede delimitar el rectángulo con lápiz ténue).
*Tratar de preservar el color impreso sin marcas, ni manchas porque ello inhabilita la realización de futuras correcciones.

"SUERTE MUCHACHOS, A TRABAJAR"

TEORIA DEL COLOR


TEORIA DEL COLOR DE D.I.Juan Sebastian Hernandez Olave

http://www.4shared.com/document/H7K24R94/Teoria-del-color.html

TEORIA DEL COLOR DE : Tomado de: KODAK. Enciclopedia práctica de la Fotografía
http://www.4shared.com/document/qtsXowCE/Teoria-Del-Color-2.html

TEORIA DEL COLOR DE : Netdisseny

http://www.4shared.com/document/yu65iC-8/1-_Teoria-Del-Color_-_Netdisse.html

CREACIÓN DE UN SISTEMA DE EDUCACIÓN ARTÍSTICA

TRABAJO EN CLASE: LA CRUZ Y EL CIRCULO

TRABAJO EN CLASE: AFICHE PELICULA

LOS SENTIDOS Y LAS ARTES

Hay que hacer del espacio del conocimiento algo agradable, es preciso ambientarlo, asirnos de todos los elementos posibles, no hay duda que en este caso es básicoel papel que desempeña la creatividad, de ella depende la ambientación, si se habla de la poesía, por ejemplo, se debe lograr que todo respire poesía, de esta forma pondremos en juego la vida anímica que según Gertrud Bortstieber Lukács es el paso de tendencias conscientes a inconscientes o viceversa (1).


Es posible aplicar operaciones que dinamicen los resultados y produzcan la interrelación de subjetividades, los medios audiovisuales así lo permiten, con ellos "se hace objetivo algo que en manos del lector es producto subjetivo"(2), partiendo de la premisa que supone que la subjetividad se esfuerza por captar y dominar el mundo de los objetos (3), se puede pensar que para enseñar la literatura es necesario estimular la capacidad subjetiva del ser humano estimulando sus sentidos.

Es importante que utilicemos dentro del aula de clase, si no todos, al menos parte de los elementos que la tecnología nos ofrece. Experimentar con el cine, la televisión o la audición permite comprobar y conocer cuáles formas logran que el estudiante asimile con mayor facilidad un conocimiento, toda experimentación en el aula de clase influye en el estudiante, cambia sus condiciones, lo lleva a pensar por sí mismo.

El lenguaje oral y escrito refleja los sentidos, pero los medios audiovisuales permiten que un hecho subjetivo, como es la imaginación suscitada por la lectura, sea compartido y sentido por colectividades, la verdad es que los medios audiovisuales hacen pequeño lo que en la lectura se toma grande y dificultoso.

La escenificación es un arte, la producción literaria es otro, "no existe el arte en general sino las artes" (4) lo cual no quiere decir que ambas no se puedan complementar, de hecho conforman un excelente equipo que hace posible la enseñanza de la literatura, es más, no es posible que el estudiante ame la literatura y se acerque a la lectura mediante un momificado texto guía, ningún arte admite que sus puertas sean abiertas con el sedentario y hermético método tradicionalista, ya es hora de ampliar las fronteras y aceptar que la tecnología se puede conjugar con el delicioso hábito de la lectura.

Todos los sentidos perciben el mundo de manera diferente, la forma como sentimos la literatura a través de la visión difiere de la audición. Fiedler propone otro sentido, este es el lenguaje (5), él afirma que las expresiones artísticas son diferentes entre sí, una cosa es la expresión lingüística y otra la visual, pero ambas se pueden amalgamar en el aula de clase. La visión y la audición trabajan cuando vemos cine, no hay duda que la literatura colocada en el cine logra anclarse más fácilmente en la memoria consciente e inconsciente a través de sensaciones de luz, color y música. En la lectura actúa la imaginación que coloca a su amaño figura, sabor, olor, música y colorido a cada escena, pero como el ser humano es social necesita saber qué forma le dan otros a lo leído, y la representación en el cine hace posible este hecho, aunque ella misma sea la visión de una consciencia, visión que hará brotar un caudal de emociones con imágenes de colores, sonido y movimiento, ya no es solamente la materia tenue e incorpórea de la lectura sino la conjugación de los sentidos lo que hará que el hombre de hoy ame la literatura.

La forma como Orson Wells lee a "Otelo" difiere de como lo hace Franco Zeffirelly y ésta de otros que también han llevado al cine la exquisita tragedia de Willian Shakespeare, cada una provoca emociones distintas, cada una saca del alma un sentimiento con tonalidad diferente, si en la producción de Orson Wells sentí angustia, en la de Zeffirelly se perfiló el sentimiento de dolor, si en la de Orson Wells me solidaricé con uno y otro personaje, lo que ciertamente provocó esa angustia, en la de Zeffirelly mi solidaridad se derramó sobre Otelo ante el cuadro que recordaba su trágica niñez cuando fue arrancado de los brazos de su madre para ser esclavizado, esta escena no se puede pasar por alto sin que el corazón se conmueva y halla que detener el dolor que hace brotar lágrimas, ya uno entiende por qué Desdemona sintió piedad y amor por el triste moro. El hecho es que el cine alimenta a la lectura, fortalece ciertas escenas, solidifica los sucesos en la memoria y hace del arte de leer un delicioso placer.

Entre las página 316 y 319 del texto "Estética 1" de Georg Lukács aparece el tema de la proporcionalidad, las desviaciones en tal caso son deformaciones, por lo cual, para que una obra como la de Franco Zeffirelly se incluya dentro del arte es indispensable la proporcionalidad, reflejo de conexiones de la realidad objetiva y de la imaginación. Esa proporcionalidad es un factor que provoca placer estético y que logra arrancar del espectador una tromba de sentimientos que también pueden producir poesía. La exquisita música, la ensoñadora opera, la danza de colores, el resplandor vigoroso de luces, el mar bravío, los pasillos solitarios e imponentes, la divina Desdemona, el varonil Otelo, en fin, todos los hilos que tejen el bello tapiz de Zeffirelly se unen en total armonía y sabia proporcionalidad.


La lectura es como el amor, no acepta nunca el imperativo, a quien se le obliga a amar se le está pidiendo odiar, ver una obra en cine tampoco exige, sino que atrae y atrapa, es necesario pues que para entrar al libro se abran con maestría las puertas del amor por el mismo, el cine y otros medios audiovisuales permiten que tal deseo se haga realidad.
escrito por Sandra Moncayo

19 de Febrero del 2002

Arno Stern un pionero

Los descubrimientos iniciales que Arno va haciendo en torno al dibujo infantil y los niños, le llevan a iniciar un periplo por todo el planeta, en busca de tribus que en pleno siglo XX no hayan tenido todavía contacto con la civilización occidental. Arno está buscando, con estas investigaciones, la confirmación de lo que él ha creído descubrir con sus experiencias iniciales en el horfanato suízo y en su taller de París, y que dará lugar a lo que él ha llamado la Formulación.

La idea que está detrás de la Formulación es que todos los seres humanos tenemos una “memória orgánica” que es universal y que se expresa a través del dibujo libre y espontaneo. La constatación de esto vino dada por la comprobación realizada por Arno en estos viajes por todo el mundo, de que niños y adultos realizaban las mismas figuras y dibujos en todas partes.
Sus investigaciones en torno a la Formulación han dado paso a la creación de una nueva disciplina denominada Semiología de la Expresión, para lo que se ha creado el I.R.S.E. (Instituto para la Investigación de la Semiología de la Expresión). La Semiología de la Expresión busca indagar en el origen de la Formulación y sus implicaciones, y cuenta con la colaboración de biólogos, antropólogos, genetistas, psicólogos, neurofisiólogos, y prehistoriadores entre otros.
Para tomar contacto con Arno Stern:

http://www.facebook.com/pages/Arno-Stern/57526818700